Té de Frikis es un podcast relacionado con nuestros ocios: el buen cine, la buena televisión, el buen streaming, la buena música... todo el buen ocio...
SINOPSIS “Fort Casey, un puesto avanzado de La Federación, es atacado por los bichos. El equipo de la nave incursora Alesia es asignado para ayudar al Starship John A. Warden con la evacuación de los supervivientes, así como para devolver a la inteligencia Militar sana y salva a la Tierra. Carl Jenkins, ahora ministro de Guerra Paranormal, se pierde en el espacio cuando lleva a la tripulación a una misión clandestina antes de reunirse con el Alesia. Ahora, los duros veteranos de guerra tendrán que llevar a cabo una misión que podría llevar a un siniestro de proporciones catastróficas mucho mayor de lo que jamás habían imaginado. (FILMAFFINITY)”
“Esto es para los nuevos. Solo tengo una regla: Todos pelean, nadie abandona. Si no haces tu trabajo, te mato. ¿Entienden?” Es muy agradable ver a unos buenos amigos después de muchos años, comprobar cuanto envejecieron, ver que en algunos casos siguen igual de bellos y en otros casos llevan a cuestas las cicatrices de una guerra que parece jamás terminar, la misión de la Infantería Móvil, que los han convertido en nuestra única esperanza para la supervivencia del planeta, es así que nos cruzamos con una remozada por el tiempo Carmen Ibañes al mando de un crucero estelar infestado de insectos la “John A. Warden” , gracias a las argucias del manipulador Carl Jenkins, quien tiene la clave para la destrucción del enemigo mediante el control de los “cerebros” pero estos bichos resultan ser mucho más inteligentes y terminan quedándose con la nave, es así como se busca la intervención del general Jonny Ricco, el veterano héroe de “Los Rufianes de Rasczak” (o así se denominan en la novela). Tenemos a la sangre nueva de la Infantería Móvil a bordo de la Starship Alesa, el equipo de asalto rápido K12 (Una referencia a los equipos conformados por un oficial y su perro mejorado con súper inteligencia, en la novela original) capitaneados por un ducho soldado: El teniente “Hero” quien está a punto de pasar por una corte marcial, ser colgado o recibir 10 latigazos como una pena benigna, ya que desobedecer las directivas directas del Ministro de Guerra Paranormal: Carl Jenkins no puede ser tolerado.
Coproduccion USA-Japon, totalmente diseñada en CGI. Dirigida por el prolífico y talentoso diseñador de mechas Shinji Aramaki, quien tiene en su haber series como: BubbleGum Crisis de 1987, Full Metal Alchemist, Gasaraki, películas de Aplesseed, Halo Legends y la muy bien recibida Harlock. A la cabeza del proyecto se encuentra el guionista Edward Neumeier, escritor de las tres películas anteriores de la serie, y Casper Van Dien, actor de las dos cintas anteriores. Es una cinta que refleja el mejor espíritu de la novela original de Robert A. Heinlein, quien fuera el pionero en imaginar los primeros trajes y exoesqueletos para un uso militar, infinitamente replicado en el anime japonés, películas de corte ciberpunk y de mecha. Este genial detalle por fin lo podemos ver más o menos reflejado en Starship Troppers Invasion, alguien podría decir “hey!, eso ya lo vi en Halo, ya lo vi demasiado en Aliens…” pero silencio niños! Robert A. Heilein es el “papá” del mecha desde 1959. También la historia toma lo mejor de la cinta de Paul Verhoeven, aunque reduce su crítica socarrona hacia los estados fascistas, no deja de mostrarnos a la infantería móvil como material desechable lista para morir en cantidades industriales, el gore y los momentos sexys de la cinta a pesar de ser CGI nos recuerda a los mejores momentos de la cinta del director danes. Otro detalle interesante fue la inclusión de Casper Van Dien y Neil Patrick Harris en las voces originales, pero lamentablemente esto no se concretó a pesar que ambos estaban muy dispuestos a participar en el proyecto.
En resumen, si te gusta mucho la obra de Paul Verhoeven, si eres un fan de la novela de Robert A. Heinlein, si te encantan los diseños mecánicos enmarcados en una historia correcta que devenga de la cinta de 1999, definitivamente no puedes dejar pasar esta cinta.
Año: 2012 Duración: 85 min. País: Japón Japón Director: Shinji Aramaki Guion: Flint Dille (Novela: Robert A. Heinlein) Música: Tetsuya Takahashi Fotografía: Animation Reparto: Animation Productora: Coproducción Japón-EEUU; Sola Digital Arts / Stage 6 Films Género: Animación. Ciencia ficción. Acción | Extraterrestres
La cinta de 1995 dirigida por Mamoru Oshii
Ghost in the Shell, si bien tomándose muchas libertades, basado en el manga de
Masamune Shiro es quizás una de las más emblemáticas no solo del anime sino del
género cyberpunk inspirando a un buen grupo de cineastas como las hoy hermanas
Wachowsky, por muchos elementos como su puesta en escena y complejidad de la
historia por años estuvo voceada para ser adaptada en los Estados Unidos, se
dijo que James Cameron quiso adaptar este filme, muchos años han pasado y esta
semana se estrenó por fin la esperada adaptación americana dirigida por Rupert
Sanders e interpretada por Scarlett Johanson.
Situado en un "futuro cercano", esta cinta nos
muestra un mundo en el cual la línea entre los humanos y las máquinas es cada
vez menos existente, una mujer (Mira, posteriormente la Mayor) cuyo cerebro es
insertado en un cuerpo cibernético de última generación de la compañía Hanka se
convertirá en la más poderosa arma contra el terrorismo al servicio de la
Sección 9 topándose en el interín con un peligroso personaje (Kuze) quien está tras varios directivos de la compañía que creó el cuerpo de la Mayor y que desarrolla un interés por esta, lo que generará una persecución al estilo clásico.
La secuencia inicial del filme, que al igual
que muchas escenas de la película original de 1995 resulta impresionante, nos
muestra un esqueleto cibernético al cual le van agregando capas que cubrirán su
cuerpo y al que posteriormente le agregarán el cerebro de Mira, única parte
humana, de ahí en más si bien visualmente la cinta no desentona, la puesta en
escena de la ciudad distópica en la cual se mueven los personajes es
simplemente impresionante pero se ve demasiado distante como para ubicarse en el
“futuro cercano” que nos quiere vender la cinta, mientras el manga original se
ubica en lo que es descrito como “un extraño Estado - conglomerado corporativo
llamado Japón”, la cinta del 2017 nos ubica en ningún sitio en particular, poca
o nada de información nos es dada, tan solo le ponen al espectador en frente
una enorme megalópolis rellenada con torres grises.
Cualquiera que haya visto el clásico Blade
Runner o cintas que nos presentan ciudades gargantuescas como Strange Days
(poco conocida y poco valorada cinta cyberpunk) o El quinto elemento ya
mostraban elementos como hologramas gigantescos que formaban parte del paisaje
urbano, en ese aspecto la cinta no aporta nada nuevo, simplemente recurre a un
elemento clásico del cyberpunk con efectos modernos, es en este escenario donde
vemos en acción por primera vez a la Mayor, con su rostro pálido y los puertos
de entrada en la parte de atrás del cuello que utiliza, al igual que la mayoría
de cyborgs y humanos aumentados para ingresar a la red o al interior de otros
cyborgs por medio del Ghost o espíritu, estos puertos crean un sentido de
vulnerabilidad humana y post humanidad.
La exploración o búsqueda de la humanidad por parte de la Mayor es uno de lo puntos favorables de la cinta.
Ghost in the Shell, para mal o para bien,
viene con el peso no solo de un manga muy querido entre fans y no tan fans del
cyberpunk y la ciencia ficción, sino de una película icónica (Elegida una de
las mejores cintas de anime de todos los tiempos) y sus muchas reencarnaciones
como una serie de televisión, una secuela cinematográfica, una serie de ovas y
una cinta precuela de la original cinta del año 95 (Seguro se me escapa algo),
vasta información a disposición de Rupert Sanders, Director de comerciales y de
Blanca Nieves y el Cazador quien nos entrega una cinta que deja de lado mucho del
contenido filosófico del material original que es básico para la historia al
igual que los tejes y manejes políticos, en donde Aramaki, el viejo zorro
Director de la Sección 9 se mueve como pez en el agua y que forma un exquisito
escenario alterno al de las atestadas calles de la Tokio futurista en las que
opera la Mayor, Batou y compañía, de todo esto el Director sólo nos dejó ver su gusto por los escenarios oscuros y si bien se nota un buen manejo
de los actores se nota a su vez que la cinta es más un encargo que un proyecto
personal del Director que entrega más que ciencia ficción o cyberpunk una pela de
súper policías con un trasfondo de ciencia ficción en el cual, para atrapar por
feeling a los fans de la cinta o el manga original recrearon casi al milímetro
varias escenas de la cinta del 95, pero estas a su vez son colocadas en la
película sin mucho criterio entregándonos un racimo de escenas recreadas que no
van muy bien de la mano con el tono oscuro de la cinta policial que nos entrega
Sanders, esta versión aborda de una manera muy somera pero acertada la interrogante que tiene
la protagonista sobre su humanidad, si bien esto se representa a manera de flashbacks que son interpretados como fallos en la memoria
de la mayor y si bien ya al final de la cinta se da un giro interesante a los
hechos que dotan de una gran humanidad al personaje de Johansson, al
espectador, sobretodo al que conoce del material base de Ghost in the Shell le
queda la sensación de que se sacrificó mucho material que pudo haberse adaptado
de buena manera para centrarse en persecuciones automovilísticas y disparos,
esto sumado a los clichés del buddy cop film a lo que al final de cuentas es lo
que parece apuntar esta cinta, lo que queda a final de cuentas es una entretenida
cinta de acción, con eso sí, correctas actuaciones de las cuales destacan,
además de Scarlett, el danés Pilou Asbæk quien nos entrega una de las
encarnaciones más humanas de Batou, y es que otro acierto de la
cinta es que muestra como es que el compañero de la Mayor obtiene
sus icónicos implantes ópticos, esto sumado a un sentido del humor y simpatía
de la cual carecía el personaje de la versión del 95 por lo que estamos ante un
Batou más tirado para el manga de Shiro o la posterior serie de televisión
(Stand Alone Complex). Otra actuación destacable es la del Actor y Director
japonés Takeshi Kitano quien interpreta a Aramaki, Jefe de la sección 9, y si
bien su actuación es soberbia, aquí hay que acotar que el Aramaki que nos es
mostrado en esta edulcorada Ghost in the Shell es producto del ahorro de guion
que se hizo al descartar todo el trasfondo político que tenía la original cinta
el 95 y el manga, y es que el popular “Ape face” es un literalmente viejo zorro
que conoce al detalle todos los tejes y manejes de la administración pública y
las movidas políticas de la Japón futurista en la que se escenifica Ghost in
the Shell, en donde las naciones que se encuentran técnicamente en inferioridad
desean a como de lugar sacar a programadores japoneses para ponerse a la par
con el país del sol naciente y a su vez pobladores de esas naciones atrasadas
intentan ingresar a como por todos los medios posibles como ilegales a la
nación oriental, al erradicarse casi en su totalidad todo ese material nos
queda un Aramaki que es más una versión oriental del Teniente Castillo de Miami
Vice que el viejo calculador Jefe de la Sección 9, un veterano que en vez de
manejarse en el terreno administrativo y político se maneja en las calles con
el uso de armas de fuego, mención honrosa para el Kuze de Michael Pitt, antagonista de la cinta que logra convertirse tras un giro argumental en parte importante para entender los verdaderos orígenes de la Mayor
.
El Batou de Pilou Asbæk es sin duda uno de los grandes aciertos de esta cinta.
El Aramaki de Takeshi Kitano, soberbiamente actuado pero fuera de su elemento al no haber trasfondo político en la cinta.
Otro apartado interesante es el de la banda sonora, es obvio que muchos esperaban algo similar al trabajo que entregó Kenji Kawaii, pero el score que nos entrega Clint Mansell, por momentos futurista, por momentos sugestivo cumple en ayudar a crear por muchos tramos el ambiente de la cinta. Los efectos especiales, si bien impresionantes en el inicio, ya para el desenlace de la cinta hay una escena clave en la cual se nota por todo lo alto que el presupuesto en efectos se les acabó quedando flojo en ese aspecto.
La cinta fue altamente criticada por la
decisión de contar con Johanson para el rol principal, pudiendo a decir de
muchos contar con una actriz de origen asiático para el rol, en lo personal
considero que ese es un detalle que no afecta a la cinta ya que esta logra dar
a entender al espectador un detalle clave, que si bien el exterior del
personaje es el de una mujer caucásica, el ghost, el espíritu, es el de una
mujer asiática, y ese es uno de los giros argumentales casi al final de la
cinta que estuvo correctamente trabajado, y es que, como ya se ha mencionado en
este artículo, uno de los puntos más a favor de esta versión de Ghost in the
Shell son las actuaciones, correctas en todo aspecto, lo que contrasta con la narrativa
que nos ofrece Sanders, es verdad que que a decir de muchos estamos ante un "peliculón", y es verdad en parte, a final de cuentas y tras un par de pobres antecedentes como son Dragon Ball Evolution y Meteoro, definitivamente estamos por fin ante una buena adaptación americana de un clásico del anime pero muy a pesar de ello es imposible para quienes conocen el material original de GITS no pasar por alto el detalle de que esta cinta a pesar de sus aciertos dejó la sensación de que pudo entregar más, es verdad, sería una insensatez pretender esperar que los americano trasladaran todo el contenido filosófico de la cinta porque simplemente sería indigerible para la audiencia palomitera además que sería absurdo esperar una copia papel carbón de la cinta, a pesar que esta copia con papel carbón sólo escenas, estamos en pocas palabras ante una acertada cinta y nada más.
La elección de Scarlett Johanson para el rol principal levantó mucha polémica por quienes pensaban que se estaba blanqueando la cinta; sin embargo quienes logran entender el trasfondo de la historia entenderán que Scarjoe es tan solo un armazón que contiene al espíritu, detalle clave en la cinta del 2017.
en conclusión, estamos definitivamente ante una
visualmente muy cuidada cinta de acción, que tiene todos los elementos para
convertirse en un clásico del cyberpunk, pero que precisamente al desechar
muchos items claves de la historia la cual se basa solamente se queda en eso,
una cinta de acción con elementos de ciencia ficción pero que se queda a medio
camino para poder alcanzar el estatus de clásico de la ciencia ficción.
Historia muda sobre un náufrago en una isla tropical desierta, poblada de tortugas, cangrejos y aves. La película cuenta las grandes etapas de la vida de un ser humano. Debut en el largometraje del animador Michael Dudok de Wit (ganador del Oscar por su cortometraje "Father and Daughter"). Una coproducción de varias productoras francesas y el Studio Ghibli. (FILMAFFINITY)
Parece
una cinta convencional a pesar de lo evidente: no tener diálogos. Un sencillo
cuento sobre un náufrago quien sin mayores detalles, esta varado en una isla
desierta.
Remontémonos
al principio dela historia: Apreciamos los torpes intentos de un pobre hombre
por abandonar una isla la cual se convierte en una angustiante prisión, intentando infructuosamente luchar contra la corriente en una endeble embarcación de esteras, para terminar siendo abatido siempre por la corriente u "otra cosa", así es como se
cruza con una rara tortuga roja, un bellísimo animal que parece no querer que
aquel hombre se vaya. A partir de ese momento su vida pega un giro extraño de
felices y tristes acontecimientos: la culpa, las experiencias y los sueños que
van cambiando constantemente y por ende nuestra manera de ver la vida,
convierten el corazón de aquel hombre.
A
medida que vamos apreciando los movimientos de los personajes y el estilo de animación
del estudio (delicado, acompasado, muy humano pero al mismo tiempo extraordinario.
Podemos comparar los movimientos del agua con la técnica lograda en Ponyo) reconocemos
que es genuinamente Ghibli, a pesar del estilo de diseño marcadamente europeo, para ser precisos: Franco-Belga, (del autor George Remi).
La
paleta de color reúne mucho grano en la pantalla, resulta extraño al principio,
ya que estábamos tan acostumbrados al diseño minimalista del estudio Ghibli que
podría resultar un tanto chocante para los devotos, y fanáticos del estudio del "Gatobus".
LA CORRIENTE QUE CORRE, DEBAJO DE MI PIEL DE TORTUGA.
El circulo de la vida, la familia la vejez la muerte, vista de una forma
tan natural tratada con la seriedad y el amor que le imprime Ghibli a sus trabajos. Isao Takahata produce la cinta y es de reconocer su labor, tan
cercana a su sensibilidad y a sus intereses.
La
música es otro punto que compone el 50 % del drama, recordar que estamos ante
una historia sin diálogos donde la presencia de la hermosa partitura llena de atmosférico susurro todos los ochenta minutos del metraje.
Podría criticarse cierto mensaje conservador respecto al fin de nuestra especie y la necesidad de formar familias como un objetivo primordial, pero el tratamiento tan gentil del guion puede hacernos olvidar ese detalle.
2016
Duración: 80 min.
País: Francia Francia
Director: Michael Dudok de Wit
Guion: Michael Dudok de Wit, Pascale Ferran
Música: Laurent Perez del Mar
Productora: Coproducción Francia-Japón; Why Not Productions / Wild Bunch / Studio Ghibli
Género: Animación. Aventuras. Drama | Naturaleza. Supervivencia. Aventuras marinas. Familia
Y con motivo de la proyección que se hizo en una sala local de la cinta clásica de 1995 Ghost in the Shell, ad portas del estreno del Life Action con Scarlett Johanson, el equipo de TDF hizo un podcast el cual compartimos en el canal de youtube.
Si el vídeo fue de su agrado agradeceremos sus opiniones y likes.
"Tras
perder contacto con la Tierra, el astronauta Lee Miller se encontrará perdido y
sólo en una Estación Espacial Internacional. El tiempo pasará y se verá forzado
a sobrevivir, intentando mantener la cordura... Su mundo se basa en una
experiencia solitaria y claustrofóbica, al menos, hasta que hace un extraño
descubrimiento en la nave..." (FILMAFFINITY)
La
cinta se podría resumir como un cruce entre 2001 y El Náufrago, discretamente montada,
donde un solo personaje sostiene la trama durante los 90 minutos del metraje,
no es que no hayamos visto esta circunstancia en otra historia de supervivencia
o introspectivo relato como Loke, pero
en el espacio donde las paranoias existenciales se pueden desbordar inconteniblemente,
puede ser un medio muy interesante para apreciar
hasta que límites de cordura podría llegar una persona en estas circunstancias
y la clave que diferencia de otros survivals
es LA CLAUSTROFOBIA.
Siguen
spoilers…
La
forma tan procedimental como desaparece la especie humana es uno de los puntos fuertes
de la cinta ya que, apenas nos muestran unas cuantas luces sobre la superficie
terrestre, representado un holocausto atómico de magnitud global, a través de una
esclusa de vidrio; esa esclusa que se convertirá en su única compañía durante
los seis años en los que Miller sobrevive, ya que este no logra aceptar en el
proceso, que su especie se ha extinguido frente a sus ojos, afectando su cordura
gravemente, hasta concluir en un intento de suicidio que podría ponerle fin a
su historia. No se trata de una abducción extraterrestre, tampoco en una exploración
metafísica del alma, si no en un descubrir que el amor es la fuerza más intrincada
del universo. La conexión que Miller adquiere con el cosmos requiere de esas
intenciones solamente, la adoración de los recuerdos, esa máquina primigenia
que despierta nuestros afectos en forma de recuerdo, ¿Cómo podemos amar a una persona
que ya no está, como podemos seguir amando a alguien que ya falleció?.
Una
película que trata de ir más allá del clásico 2001 Space Odissey (Si lo logro,
es muy discutible) para posicionar su discurso en otro tipo de evolución enfocada
en esa figura imposible de definir, además de evitar (se agradece), ponerse a
explicar todo lo que ocurre en la película, es un reto para el visor
interpretar y comprender eso que el director con apenas: una habitación a miles
de kilómetros sobre la tierra, circundando la órbita terrestre, después de la
extinción de la raza humana y la psique de su protagonista.
Duración:
90 min.
País:
Estados Unidos Estados Unidos
Director:
William Eubank
Guion:
William Eubank
Música:
Angels, Airwaves
Fotografía:
William Eubank
Reparto:
Gunner Wright, Corey Richardson, Bradley Horne, Nancy Stelmaszczyk, Roger E.
Fanter
Productora:
Angels, Airwaves
Género:
Ciencia ficción. Drama | Aventura espacial. Cine independiente USA
Hace un tiempo, navegando por el extenso mar del youtube nos topamos con un vídeo que si bien era simple resultaba entretenido de ver y se trataba de figuras de acción de Gobots y Transformers que se parecían tanto en su diseño en su modo robótico como en su modo alterno, si bien es cierto que las líneas de figuras de acción original base de ambas serie tuvieron su inicio en Japón casi a la par siendo los Machine Robo de Bandai un poco más antiguos, al observar este vídeo uno puede darse cuenta que los diseñadores de ambas compañías al parecer se metieron una buena bomba con Sake y cerveza para acabar en estado de ebriedad dejando entrever datos de diseños o quizás todo fue producto de la casualidad, he aquí el vídeo, sean ustedes los jueces.
Con parte de inspiración en este clip nos animamos a hacer un clip basábdonos en un par de figuras que tenemos en la colección, obvio, la intención de los tío frikis no es volver el canal en uno de reviews de figuras de acción aunque obvio, dependiendo de la acogida de este vídeo, no prometemos no hacer otro videito de este tipo.
Y de esta manera vamos cumpliendo con la cuota semanal e vídeos en el canal de youtube, muchas gracias a quienes se han animado a suscribirse, para ellos va dedicado este clip y como siempre sus dudas y sugerencias son bien recibidas y sólo nos ayudaran a mejorar.
La serie inhumanoids fue creada por el mismo
equipo que ya nos habían traído mega éxitos como Transformers, Gi Joe y Visionaries (otro intento de franquicia que
no llego a buen puerto). En la cabeza del equipo realizador de la serie se
encontraba el señor Flint Dille, diseñador
y guionista de Juegos de Rol, que ya tenía una vasta experiencia en el mercado (años
después encabezaría el desarrollo de uno de los mejores juegos de vídeo basados
en una franquicia: “Riddick Scape from a butcher bay”, entre otros). Dille También
estuvo a cargo de la saga de comics de “Transformers Autocracia” (2012) que
seguía las historias de Optimus Prime y megatron, un millón de años antes de
que lleguen a la tierra.
Dille y su equipo, durante
la realización de Transformers, ya venían imaginando la creación de una
historia fresca para ser el próximo hit juvenil e infantil considerando que esa
generación había cambiado sus volátiles gustos de figuras transformables por
monstruos o mutantes de todas las clases, el éxito de las tortugas ninjas fue
determinante, sus fuentes de inspiración venían de toda la literatura Pulp de
los años 30, las conspiraciones de la tierra hueca y mucho de mitología Lovecraftiana.
El show de televisión fue
producido por Sunbow y la Marvel, la animación se la encargaron a la Toei
Animation (El mismo estudio que años después, nos traería obras del calibre
como la Serie noventera de Xmen) resaltando el uso de sombras en alto contraste
que acercaba más el diseño a un público más juvenil que infantil. Una línea argumental
que representaban varios arcos argumentales (Tanto Transformers como GI-Joe se
caracterizaban por capítulos más episódicos) además del bestiario salido de la
peor pesadilla infantil. El show se emitió junto a otros éxitos domingueros
como: “Jem y los Hologramas” (el cual tuvo un importante éxito y 65 episodios).
CURIOSIDADES
·Dille,
el guionista de la serie es un buen amigo de Frank Miller y cuenta que en la época
que trabajaba el guion de la serie de transformers G1, Miller escribía su opus máximo:
The Dark Kinghr Return. Si somos u
poco avispados podremos encontrar ciertas similitudes en el papel que se le
otorga a la prensa y los políticos corruptos en la serie, además de mostrar a
las fuerzas militares como unos auténticos imbéciles, un paralelo, salvando las
diferencias, del Trabajo de Miller.
·EN
EL Año 2009 salieron unas figuras conmemorativas “Custom” muy bien trabajadas
que buscaban el apoyo de los fans para una posible reedición.
·El
actor de voz de decompose: Chris Latta, es también la voz de Starscream de
Transformers G1.
·Hay
un personaje: Hector Ramirez que satiriza a Geraldo Rivera, el presentador
estrella de la tv norteamericana en aquellos años ochenta.
·Es
interesante ver que al inicio de la serie cuando los vehículos son destruidos,
no podíamos ver a ningún soldado saltar en paracaídas o escapar de la explosión,
como podíamos ver en otras series. Posteriormente ya podíamos ver al puro
estilo de GI Joe que siempre se salvaban, obviamente el peso de la censura pudo
más.
Cuando se habla sobre filmes que tratan ya sea de manera biográfica o de ficción los años de tensión entre la Unión Soviética y los Estados Unidos, periodo más conocido como la Guerra Fría muchas cintas se vienen a la memoria como Dr. Strangelove de Stanley Kubrik, la Casa del Octubre Rojo de John Mc Tiernan, basada en la novela de Tom Clancy o El Espía que Salió del Frío basado en la obra del mismo nombre de John Le Carre o los primeros filmes de la longeva franquicia de James Bond como Desde Rusia con Amor, este sub género de las cintas de espionaje resulta bien extenso de ocupar y quizás en un futuro sea objeto de un artículo; sin embargo en esta entrada nos ocuparemos del que promete ser la más reciente entrada en esta extensa familia, nos referimos a Atomic Blonde, cinta protagonizada por Charlize Theron y que se basa en la novela gráfica The Coldest City.
Teaser de Atomic Blode que promete Red Band Trailer y que contiene un cover del archi y super manoseado clásico de New Order Blue Monday
Dirigida por el actor y doble de riesgo David Letich, quien fungió como co Director en John Wick y que estará en la silla de Director en la segunda entrega de Deadpool, la cinta se centra en la Agente Lorraine Broughton, interpretada por Charlize Theron quien tendrá que recuperar una lista de agentes que planean desertar a occidente, todo esto teniendo como escenario a una ciudad de Berlín en la víspera de la caída del muro, para su operación, Broughton contará con el apoyo poco usual el Jefe de la Agencia de Espionaje de Berlín David Percival interpretado por James Mc Avoy.
Entre otros actores conocidos se encuentran el veterano John Goodman y Sofía Boutella.
Filmada en el año 2015 en escenarios de Budapest y Berlín, esta cinta promete poner de nuevo en el mapa a los filmes sobre la Guerra Fría.
SOBRE LA NOVELA GRÁFICA:
La historia nos coloca en la ciudad de Berlín, con el comunismo colapsando y la inminente caída del muro ad portas, pero existe un problema para la Inteligencia Británica, un Agente encubierto fue asesinado en Berlín, él se encargaba de llevar información de una fuente en el Este, una lista de nombres y detalles de cada oficial de espionaje en la ciudad, en ambos lados del muro.
Es así que el MI6 envía a Lorraine Broughton, una Espía experta para recuperar la lista sin saber que llega a una ciudad que es un polvorín social a punto de estallar en la cual las defecciones y el espionaje son pan de cada día.
Esta historia, que a entender de muchos revitaliza el género del espionaje ya tiene una segunda entrega llamada "The Coldest Winter" por lo que es de esperarse que si la cinta es un éxito comercial, la adaptación del segundo libro será inminente.
¡Los invitamos a que se agreguen al canal de youtube de Té de Frikis donde estaremos publicando una serie de reviews, con las mejores películas nostálgicas, serie B, series de televisión perdidas en el tiempo, reseñas de figuras de acción etc!
Masamune Shirow es una figura bastante esquiva en el
universo del manga y del anime, es una personalidad que no se muestra en
público y ha ofrecido contadas entrevistas pero, indiscutiblemente es un
bastión cultural del Japón actual, sobre todo por su obra maestra (攻殻機動隊Kōkaku Kidōtai?) Ghost in the Shell.
Portada original de la primera edición USA
En
mayo del año de 1989 se lanzó por primera vez el primer tomo del manga en la editorial Young Magazine, constando de 8 entregas
en el mencionado Tankoubon, hasta el
año de 1991, posteriormente se editaron independientemente los 8 números.
El
dibujo de MasanoriOta (nombre original del
creador) es de una riqueza peculiar, ya que mezcla mucho el intrincado diseño
de fondos, ciclópeas maquinarias, “mecha
suits” cuidadosamente elaborados inspirados en insectos y demás animales;
espigadas lesbas de delicados trazos; y
para rematar: unos poco acabados y casi caricaturescos diseños de la figura
masculina, (el personal a cargo de MotokoKusanagi, por ejemplo).
La historia
es un enrevesado de tintes políticos, lleno de intrigas que poco a poco nos va
sumergiendo en ese mundo hiper conectado, que requiere de las notas a pie de
página que el autor convenientemente ha colocado a lo largo de los volúmenes
publicados, o en su defecto recurrir a las consultas externas para comprender la
complejidad del exquisito trabajo de Masamune
sensei.
SUSURROS
EN EL GHOST
La
obra de Masamune Shirow esta
evidentemente inspirada en las novelas de William
Gibson (Neuromancer 1984). Quien también bebe de la visión de físicos,
futuristas, y novelistas como John von Neumann, Vernor Vinge y Ray Kurzweil; que predicen el
advenimiento de una “singularidad tecnológica” para mediados del siglo XXI,
potenciada por el exponencial desarrollo de la computarización, enfocado en el
incremento mecánico del intelecto y la emancipación de una “IA” cultivada en el mar de información, algo que parecería
accidental si es que no fuese una consecuencia lógica del desarrollo tecnológico
descrito. También es evidente la inspiración en Molly, personaje recurrente de la obra de Gibson que guarda
evidentes concotomias con la obra de Masamune
Shirow, ejemplo de la mejor literatura ciberpunk a la fecha.
La
historia transcurre en este futuro distópico donde la línea que define la humanidad
de una inteligencia artificial se ha difuminado al extremo que solo es posible
distinguir una de otra gracias a la verificación del “Ghost”, “espíritu”: La conciencia que anida dentro de un individuo
y que puede viajar a través del mar de información o ser trasladado de un
depositario a otro; de esa manera, los Ghost también son proclives a ser pirateos,
hackeados, siendo bastante vulnerables a este tipo de ataques. Para prevenir y
resolver estos crímenes, se ha creado a la “sección 9”, organismo gubernamental
que le rinde cuentas directamente al ministerio general del Japón. En esta
sección, operan algunos de los más formidables ciborgs preparados tanto para el
combate físico como en el ciberespacio; dentro de este equipo se encuentra “The
Major” Motoko Kusanagi, equipada con
un cuerpo “prostético” de tipo militar en su totalidad, es tal su poder
logístico que fue bautizada convenientemente como “La Gorila”. También aparecen
personajes como Batou, el segundo al
mando, quien guarda un especial admiración por la mayor, Togusa, la parte más humana del grupo, quien tiene una familia y
fue seleccionado convenientemente por “The
ape” Aramaki, jefe de la sección 9: muy hábil e influyente político tanto
como estratega militar, este trata de estar siempre un paso adelante de las
conspiraciones entre organismos estatales, como por ejemplo la sección 6 de
asuntos exteriores. Estas intrigas llegan a su zenit cuando hace su aparición
El “Puppet Master” o el titiritero,
una entidad nacida de la red, creada por el gobierno con fines de ciber espionaje
y sabotaje industrial, quien reclama una “identidad” después de haber asimilado
cantidad de información en el vasto océano de la internet, (algo así como lo
proponía el doctor Neuman en los años
50´s). El puppet Master despierta en Kusanagi serias dudas y una constante
paranoia por desentrañar su origen, antes de ser convertida en una ciborg (las
similitudes al personaje de Molly de Neuromancer saltan a la vista).
LA VISIÓN DE MAMORU OSHI
En
el año de 1995 las compañías: Production
I.G, Bandai Visual, Kodansha y Manga Entertainment, se encargan de la
producción de la versión fílmica del ya exitoso manga, la dirección corrió a
cargo del refutado director Mamoru Oshi,
quien le imprimió una visión diferente a la historia, más preocupado por las cuestiones
de corte filosófico de una unión Hombre Maquina, antes de los entramados políticos que podrían
representar. La historia resume los 8 volúmenes del manga, enfocándose en el
arco argumental del Puppet Master,
dejando de lado algunos personajes interesantes de la trama como los adorables “Tachikomas”, robots con forma de araña,
destinados al trabajo de infiltración y soporte del equipo.
Poster oficial de la película estrenada en 1995
Dividida
en tres actos, dramáticamente separados por tres secuencias introspectivas al
mejor estilo del cine oriental. En la introducción podemos reflexionar sobre la
génesis y el nacimiento, el reflejo del alma. En la segunda parte va por
comprender como las ciudades conforman organismos vivos, como un gran cerebro y
nuestra especie se reconoce como parte de un todo, podemos confiar en nuestra
individualidad, pero ¿hasta qué punto esa individualidad depende de estar conectado a la red?. El último corte más bien se regodea en los últimos momentos de Motoko, antes de reconocer su destino y el transito evolutivo al que tiene que llegar.
El
diseño de personajes es diametralmente opuesto al que nos tenía acostumbrado el
manga, mucho menos estilizado y cercano más al estilo occidental. El diseño de
fondos y la ambientación resultan muy sugerentes visualmente y se inspiran en
un futurista Tokio, con reminiscencias del actual Hong Kong, pero que también bebe mucho de la obra de Ridley Scott: Blade runner.
La
música compuesta por Kenji Kawai ya se considera una de las partituras más hermosas
de la historia del cine.
Cinema Simphony, by Kenji Kawai
CURIOSIDADES:
·Los
Tachikomas, son de los personajes
favoritos de los fans, tienen una IA
con la personalidad de unos niños pequeños y siempre están haciendo preguntas
sobre todo lo que sucede a su alrededor (Una de sus características es la
necesidad de acumular información, es casi como una droga para ellos).
·
Tachikomas, los entrañables personajes de GITS
En
Julio del 2008 se estrenó una versión remasterizada de la película, que incluía
significativos cambios en escenas clave de la cinta, por ejemplo se rediseño la
secuencia de presentación con contenidos en CGI, se cambió la paleta de colores
del verde neón al sepia (la acerco más a la secuela del año 2004, Ghost in The Shell Inocence), se cambió
la voz del Puppet Master de una voz
masculina a una femenina, posiblemente para subrayar la ambigüedad sexual del
personaje. Y se cerró con una soberbia imagen de un Tokio futurista hiper conectado,
más parecido a los procesos sinápticos del cerebro.
·Masamune
Shirow también es reconocido por sus dibujos donde el erotismo y la sexualidad
desenfrenada toman protagonismo, una muestra de ello es la secuencia inicial
del volumen dos del manga.
·Sobre
la ambigüedad sexual de “The major” se ha comentado mucho, pero un detalle
respecto a su pasado resulta revelador, ya que en las notas que acompañan al
manga, hacen referencia del porque utiliza un cuerpo femenino, pudiendo
utilizar uno masculino de mayor potencia y solo hace hincapié a la practicidad
y ligereza del modelo femenino. ¿Es quizás Motoko
Kusanagi varón?
·El
origen del nombre de Motoko Kusanagi
hace referencia a una espada legendaria japonesa. Su nombre real es Ame no Murakumo no Tsurugi , («Espada de
la lluvia de las nubes en racimo») pero es más conocida como Kusanagi («cortadora de hierba», o más
probablemente «espada de (la) serpiente»). También se puede llamar Tsumugari no Tachi. La Kusanagi. seguramente
se trate de una espada del estilo de la edad de bronce: corta, derecha y de
doble filo; muy diferente de la más reciente katana, con un solo filo con forma curva. Puede ser empuñada con
una o ambas manos.
·Sobre
la influencia de Ghost in the Shell en
la cultura popular es harto conocida, ya confirmado por las hermanas Wachowsky y que ademas de las conocidas escenas inspiradas en la película de Matrix, podemos apreciar la colección de cortos Animatrix rindiendole un tributo a la cinta de Mamoru Oshi y la obra Masamune Shirow.
·Existe
una divertida versión de doblaje en español latino, que fue encargada directamente
a la cadena HBO, donde se puede reconocer el acento de los recolectores como
mexicano. Esta versión se encuentra perdida en el tiempo y no ha vuelto a ser reeditada.
Kokaku
Kidotai (Ghost in the Shell)
Año: 1995
Duración: 83
min.
País: Japón
Japón
Director: Mamoru
Oshii
Guion: Kazunori
Itô (Manga: Masamune Shirow)
Música: Kenji
Kawai
Fotografía: Hisao
Shirai
Animation
Productora: Coproducción
Japón-EEUU; Bandai Visual Company / Kodansha / Manga Video / Production I.G.
Género: Animación.
Ciencia ficción. Acción | Crimen. Robots. Animación para adultos. Película de
culto. Manga. Cyberpunk. Thriller futurista. Internet / Informática
