sábado, 4 de febrero de 2017

EL CINE DEL ESTUDIO GHIBLI, Porco Rosso (JAPÓN 1992)

Porco Rosso (1992)


La libertad entendida como un valor intrínseco del hombre, mas allá de obliteraciones de corte ideológico representadas en ese avión de madera colorado. Cuando una criatura tan “antipodica” como el cerdo, un animal con el hocico siempre enterrado en el lodo, es nuestro compañero de aventuras y el piloto de ese ingenio. El autor nos quiere contar como se sintió en un momento clave de su vida: Eran finales de los años ochentas y era la época en que Hayao Miyazaki estaba relacionado con los movimientos sindicalistas y marxistas de ese tiempo, hasta que llego el éxito y experimentó como se estaba convirtiendo en alguien que bebía de las mieles del individualismo, a la par que el mundo cambiaba, los muros caían y la unión soviética se convertía en un símbolo de los sueños rotos de toda una generación. Miyazaki se sintió como un cerdo. Es así, que desencantado de aquellos viejos preceptos, tiene la necesidad de plasmar aquellos sentimientos en una obra que contenga algunos detalles de aquella generación.




PREFIERO SER UN CERDO A UN FASCISTA.
Marco Rosso es un cerdo antropomórfico, un Truhan romántico, un as del aire dedicado a los placeres de la vida como: El buen vino, las buenas mujeres, surcar los cielos en su hidroavión por el mediterráneo y en tierra descansar en su pequeña isla privada o departiendo con la preciosa Gina en el Hotel Adriano, Gina es la mujer que vive enamorada del buen Marco desde adolescentes y lo espera pacientemente sentada en un jardín, siempre apostando a que el infame caballero se percate de sus sentimientos. Marco es un caza recompensas se dedica a asaltar a la federación de piratas aéreos, quienes contratan a Donald Curtis, otro as de la aviación Norteamérica, Donald Curtis es otro aventurero con una peculiar manía: enamorarse perdidamente de toda mujer bonita que ve y ofrecerle matrimonio de inmediato, todo esto en el marco del periodo de entre guerras de la Italia fascista. Es así como Porco pierde su hidroavión gracias a un descuido tonto y recurre al taller de su amigo Piccolo para el mantenimiento, donde conoce a la juvenil Fio quien lo acompañara como ingeniera, después de saldar unas enormes deudas.



UN CERDO QUE NO VUELA, ES SOLO UN CERDO.
La película tiene un grupo de escenas magistrales y de la mas pura expresión de cine arte, como el rapto de las niñas por los piratas “Mamayute” que son de una estética y perfección cinematográfico que bebe del mejor Chaplin o la maravilla hiperkinetica de Buster Keaton. Encontramos otra clave del estudio Ghibli; cuando asistimos al trabajo en equipo de las mujeres del taller del señor Piccolo, como uno de los valores y fundamentos que componen el cine del estudio, el amor al trabajo. La secuencia Onírica del cementerio de aviones,  que hace referencia a otro de los pilares del estudio: El Tokoyo o el mundo animista.



Mucho se a criticado a la cinta respecto la falta de información del hechizo que Marco lleva a cuestas, pero estamos ante una fabula y una representación de las circunstancias que Hayao Miyazaki venia experimentando durante ese tiempo, quizás sea la obra mas intimista de autor y una magnífica declaración de principios en clave de fábula.



Ficha:
Director:
Hayao Miyazaki
Reparto:
Animation
Año / País:
1992 / Japón Japón
Título original:
紅の豚 Kurenai no buta
Duración:
94 min.
Guión:
Hayao Miyazaki
Música:
Joe Hisaishi
Fotografía
Atsushi Okui
Productora:
Studio Ghibli / Japan Airlines / Nibariki / Nippon Television Network Corporation (NTV) / TNNG / Toho Company / Tokuma Shoten


Marco Masama

viernes, 3 de febrero de 2017

Nominadas al Oscar 2017, The Arrival (USA 2016)


Es evidente que estamos viviendo una nueva edad dorada del cine de ciencia ficción…

SINOPSIS
“Cuando naves extraterrestres comienzan a llegar a la Tierra, los altos mandos militares piden ayuda a una experta lingüista (Amy Adams) para intentar averiguar si los alienígenas vienen en son de paz o suponen una amenaza. Poco a poco la mujer intentará aprender a comunicarse con los extraños invasores, poseedores de un lenguaje propio, para dar con la verdadera y misteriosa razón de la visita extraterrestre... Adaptación del relato corto "The Story of Your Life" del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nébula. (FILMAFFINITY”



Para empezar esta reseña “The Arrival” es necesario ahondar en la ciencia ficción que envuelve y vertebra la cinta y por ende, (saltarán como Gremlins remojados) spoilers claves. Por eso es que estimado lector casual de reseñas;  eh aquí tu oportunidad para dejar de leerme.



EXPLICANDO EL DEVANEO
Tenemos que comprender primero como perciben la realidad los alienígenas de la historia: Mientras que nosotros como humanos nos movemos a través de tres dimensiones y comprendemos el tiempo a través del estado “presente”, para los Eptapodos, (nombre otorgado a las extrañas criaturas reminiscentes a ciertas criaturas lovecraftianas) esta noción es inexistente, el tiempo simplemente no existe o lo perciben de manera diametralmente diferente, por lo tanto se asume que su influencia alcanza todos los periodos temporales y de aquellos con quienes se relacionan.  el argumento plantea una brillante forma de representarlos. Descubrimos que su lenguaje está conformado por un tipo de “palíndromo” (nombres que se leen igual al revés y al derecho) con una simbología circular. También es una analogía al tipo de existencia que estos seres de siete miembros poseen. Los personajes de Amy Adams y Jeremy Renner, en un rústico vocabulario, luego de horadar infructuosamente en la dura misión de comunicarse, logran descifrar el objetivo final de estos visitantes: concluyendo que después de 3000 años, estos seres nos van a necesitar (o a la tierra), así que nos necesitan sanos y salvos y sobre todo unidos (No hay mas datos ¿acaso es necesario?). Se hace referencia en los constantes flashbacks y flashforward falsos (Atención: no existen, ya que en realidad, todo esta ocurriendo al mismo tiempo). Estos seres tienen unas intenciones completamente benignas, entregar un regalo “que sumara y no anulara” componiendo piezas claves de una comunicación compuesta por las 12 naves alrededor del mundo. Ahí es donde otra vez brilla la genialidad del guion, la originalidad de utilizar el lenguaje cinematográfico como una pieza fundamental del relato, es difícil no reseñarlo sin emocionarse.



TE RECUERDO DE MAÑANA
Podemos ver como el personaje de la doctora Louise, quien aparentemente tiene unos tristes recuerdos de una hija, quien aparentemente fallece de una enfermedad terminal, resultan ser en realidad los recuerdos del futuro (la película juega con este precepto, lo estira y nos lo pone sobre la mesa,  nosotros ni enterados y cuando nos percatamos del echo (¡que hijo de puta eres Denis!) Podemos asombrarnos con esa demostración de pericia narrativa.



 DIÁFANA POESÍA
…si puedes conocer tu futuro de antemano, ¿intentarías cambiarlo?
El corte final es simplemente poesía pura y de las más hermosas que a podido parir la ciencia ficción desde la odisea “kubriana”. Quienes estuvimos atentos, al fin podemos entender el sentido del tiempo y como Louise lo percibe, aprender a vivir furiosamente, porque no necesitamos conocer el futuro para saber que nuestra garantía caduca.

LA COMUNICACIÓN, EL MEOYO.
El problema de la comunicación es el gran tema de la cinta (pienso que será una tentempié para mis amigos lingüistas) El objetivo principal es reconocer que como seres humanos, tenemos mucha mas dificultad de comunicarnos entre nosotros, que con una especie completamente distinta.
“The Arrival” es una cinta técnicamente lograda, la fotografía hace indispensable su visionado en una pantalla gigante, las actuaciones muy correctas, sobresale efectivamente el papel de Amy Adams. En resumen de una factura sobresaliente, llena de elementos de ciencia ficción pero sin traicionar el espíritu de sus anteriores obras además de plantearnos de contrabando importantes cuestiones sociales, es Villeneuve definitivamente.


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Marco Masama


Cine Comprometido, The Birth of a Nation (USA 2016)



En un año donde se cuestionó con energía la poca participación de actores, directores de raza negra tanto en los “Oscares” como en los distintos festivales y se consolida como presidente, a un representante de la “América profunda”: sumamente religiosa, sureña y segregacionista…  Para referirnos a lo que nos trae a colación como cinéfilos:
El 2015 se celebró el centenario de, quizás la cinta mas importante de todos los tiempos:
“A birth of a Nation (1915)” Descubriendo el discurso cinematográfico formal, adaptando por primera vez las bases narrativas y de estilo que hacen del cine lo que conocemos, creando la primera película propiamente dicha; pero al mismo tiempo un discurso abiertamente supremacista y xenófobo (en realidad una característica de la época, normalizada y muy difundida). Pero ya habrá tiempo de hablar sobre este hito y si tanto mensaje como estilo son indisolubles o podemos separarlos como sabores.



SINOPSIS
Narra la historia real de Nat Turner, predicador y ex esclavo, que tras presenciar innumerables atrocidades liderará en Virginia, en 1831, una rebelión contra la esclavitud. (FILMAFFINITY)
The Birth of a Nation (2016)
Si apreciamos la cinta desde un punto de vista técnico pues esta sobresale, una muy lograda fotografía que se exhibe en todo su esplendor en las escenas de los campos de algodón, las secuencias de acción también son un punto a destacar: la violencia gráfica esta muy bien lograda y aunque se muestra en contadas ocasiones resalta y es muy estética. La banda sonora también es otro de sus aciertos, Henry Jackman, no es quizás uno de los mas celebres compositores (si consideramos que tiene pistas olvidables como las del universo cinematográfico de Marvel), es en esta cinta donde podemos apreciar mejor su trabajo. El guion: Si bien la historia no es nada del otro mundo, hasta podríamos decir que este novel director y protagonista, nos retrae a otra cinta similar en espíritu: “Braveheart”. Ambos: Mel Gibson y Nate Parker son directores y protagonistas, que coinciden en una lograda carga emocional, el uso de la violencia gráfica como un recurso narrativo y …basta de especulaciones.

 Éxodo 21:20:
 “Si un hombre golpea a su siervo o a su sierva con un palo y muere a sus manos, cae bajo la ley de venganza. Pero si sobrevive un día o dos, no será vengado, pues lo había comprado con dinero.
La película puede resultar chocante para una persona de pensamiento secular ya que el mesianismo del argumento ocupa un lugar predominante empero, así como la cinta que le precedió “Trece años de Esclavitud” la fe en condiciones de absoluta desesperación solo se puede traducir en ese subterfugio irracional y fanático, que encuentra su clímax en el ultimo tercio de la cinta.
Es inevitable, para una reflexión coherente, desentrañar el final, ( si no deseas spoilers, deja la lectura en este punto) es en el ultimo tercio del metraje donde la cinta adquiere un carácter poético y significativo, la escena de la conversación fantasmal entre Nat Turner y su esposa esta muy lograda, otras no tanto y pueden resultar demasiado obvias pero no lastran para nada el resultado final.

¿LIBERTAD?
Nat Turner el predicador es colgado mientras una horda biliosa y llena de odio busca vengar a los casi sesenta terratenientes pasados por machetes y hachas. El siempre correcto predicador se convierte en una representación de un Dios vengativo, paradigma del antiguo testamento. El odio y el resentimiento es todo lo que quedan al final.


LOS ORÍGENES DEL ODIO
No hay una respuesta al respecto, pero quizás esta cinta sea una respuesta a la comunidad académica que eleva una cinta importante e hito artístico: me refiero a “The Birth of a Nation (1915)”, pero cuestionable como discurso, reconociendo que aquella generación repleta de odio, que aprecio la cinta “homónima”, inspiro el resurgimiento del KKK representando perfectamente “el nacimiento de una nación”, sus sangrientos y poco memorables orígenes.

Marco Masama.

jueves, 2 de febrero de 2017

Cine de videojuegos, Assasin´s Creed (USA 2016)




La ciencia ficción en la que se basa la cinta del director Justin Kurzel (de quien ya habíamos visto su versión de Macbeth) tiene unos orígenes en la teoría formulada por Lamarck:
En 1809, en su libro Filosofía zoológica, que esbozaba como las especies conservaban rasgos no solo físicos de nuestros antepasados, si no todos los recuerdos, como si la vida que conocemos no se limitara a lo que apreciamos, si no a lo que nuestro código genético experimenta a través del ciclo de la vida y la muerte.

¿Que pasaría si pudiéramos repasar como un vídeo reproductor, todo ese conocimiento, si las experiencias militares, medicas, intelectuales y las de un asesino se pudieran “reactivar”? ¿seriamos como dioses? Pero la historia va mas allá de esta interesante premisa, simbólicamente utiliza el fruto del edén como el origen de todo lo que nos convierte en seres humanos, (colocado por alguna raza alienígena, no hay mas datos y tampoco es relevante por ahora) la capacidad de elegir, la libertad para fallar, robar, matar. Esto es lo que el credo de los asesinos busca proteger, ya que la otra orden, los Templarios, buscan desde el albor de la historia recuperar: el control, la paz, el fin de las guerras a cambio de una marcial obediencia, ese “fruto” contiene el código genético que permitiría aislar el gen del libre albedrío y la ciencia de los Templarios ergo Club Bildemberg, Iluminatis o la orden de los búhos, dispondría de una vacuna o lo soltaría simplemente como un virus, se expandiría por el globo convirtiéndonos en unos pacíficos y felices corderos; por eso, es que la orden templaría maquina desde las mas altas esferas de poder, recuperar el fruto. Por el otro lado y desde las sombras, con su propio sentido de moral, la orden de los asesinos: proteger la esencia de nuestra humanidad así de brutal, equivocada pero original y libre.







SINOPSIS
“Gracias a una tecnología revolucionaria que permite el acceso a los recuerdos genéticos, Callum Lynch (Michael Fassbender) revive las aventuras de Aguilar, un antepasado suyo que vivió en la España del siglo XV. Así descubre que es descendiente de una misteriosa organización secreta, los Assassins, y que posee las habilidades y los conocimientos necesarios para enfrentarse a la poderosa y temible organización de los Templarios en la época actual. Adaptación libre del videojuego homónimo. (FILMAFFINITY)”


APARTADO TÉCNICO

Técnicamente la cinta es una golosina, sobre todo la reconstrucción de la España del siglo XIV, en pleno recuperar del califato de Granada y en favor de una segunda agenda por parte de la orden templaría, seguir la pista a las reliquias: como el Santo Grial, el arca del alianza y demás souvenirs. La fotografía muy bien cuidada (ya habíamos disfrutado de ese apartado en la anterior cinta del director) La música esta bien y resalta sobre todo en los pasajes sobre el vuelo del águila, un acierto son las coreografías y el despliegue de parkour en la mitad de la cinta. La historia quizás no conecte con alguien que no este familiarizado de antemano con estos conceptos y menos disfrute de teorías conspiranoicas; lamentablemente puede resultarle soporífera a pesar de la acción trepidante acorde con el tipo de público.

ANCESTRAL ASESINO
La cinta tiene un par de escenas ridículas como fallo de Guion que lastran el resultado final y lamentablemente son pieza clave de la resolución de la película. Se salva de una nota inferior a la media por la calidad de las actuaciones (no se entiende porque la fijación de la crítica con Jeremy Irons, su papel esta simplemente correcto) Marion Cotillard esta mas bella que nunca como no se le había visto así en otra cinta, además de otra emocionante escena donde casi como una sesión chamanica aparecen los distintos ancestros de Linch, un guiño que seguramente va a emocionar a los fanáticos del juego.En resumen: Assasin´s Creed es una cinta que trata de salir de la media y el promedio mediocre, al estilo de Resident Evil y junto a Warcraft tratan de entregarnos dos productos bastante ambiciosos en el contenido de su guion no con los mejores resultados lamentablemente.

En realidad me da mucha curiosidad si estas cintas logran obtener una secuela, y así con una introducción pasable, podamos apreciar mejor la historia que triunfo narrativamente en nuestras consolas de sobre mesa.




Año:2016
País:Estados Unidos
Director:Justin Kurzel
Reparto:
Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, ...
Género:

Aventuras. Acción. Ciencia ficción | Viajes en el tiempo. Siglo XV. Videojuego


MarcoMasama